VENUS Y ADONIS
"Venus y Adonis" se publicó en 1593, cuando Shakespeare tenía 29 años. Fue escrito durante unos meses en que la peste mantuvo cerrados los teatros de Londres, ciudad a la que su autor había llegado poco antes. Su relación es contemporánea a la de algunos de los Sonetos, aunque éstos no se publicarían hasta 1609. En vida del autor fue su obra más popular; incluso un verdadero éxito. Parece que gustó y fascinó al público de la época, proporcionando al poeta un prestigio cultural, o social, por su carácter de "alta poesía" inspirada en modelos clásicos, que el teatro, considerado más bien una diversión popular, no llegaba a tener.
El poema narra los intentos de Venus, la diosa del amor, por conquistar al joven Adonis, que rechaza una y otra vez sus vehementes tentativas. El tema procede de la literatura clásica, fundamentalmente de Ovidio, y fue tratado por numerosos artistas, tanto en la poesía como en la escultura y la pintura, aunque la versión de Shakespeare se aparta del modelo habitual para desarrollar su propia versión del mito. Lo escribió en sextetos, o "sexta rima", estrofa de procedencia renacentista italiana y consta de 199 de tales estrofas.
El poema narra los intentos de Venus, la diosa del amor, por conquistar al joven Adonis, que rechaza una y otra vez sus vehementes tentativas. El tema procede de la literatura clásica, fundamentalmente de Ovidio, y fue tratado por numerosos artistas, tanto en la poesía como en la escultura y la pintura, aunque la versión de Shakespeare se aparta del modelo habitual para desarrollar su propia versión del mito. Lo escribió en sextetos, o "sexta rima", estrofa de procedencia renacentista italiana y consta de 199 de tales estrofas.
TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS
El rey de Navarra y tres de sus caballeros, Biron, Longaville y Dumain, han jurado no querer ver a ninguna mujer durante tres años Y vivir una secreta vida de estudio y de sobriedad. La llegada de la princesa de Francia con una embajada para recobrar la Aquitania para el rey de Francia, su padre, obliga a los profesos a infringir sus votos consintiendo en recibir a la princesa y a sus damas, Rosalinda, María y Catalina. Las damas, sin embargo, deben alojarse fuera de la corte,…
Algunos autores consideran esta obra como la primera de las escritas por Shakespeare, aunque existen serias dudas al respecto. Fue publicada por primera vez en 1598. El tema de fondo es el estudio y la educación: y si educa más el estudio o la experiencia.
Para el lector en español, la primera curiosidad es que se desarrolla en la corte del rey de Navarra, nombre tanto de una actual Comunidad Autónoma del Reino de España como del lugar de la acción, hoy perteneciente a la República de Francia.
El argumento gira en torno a unos hechos y personajes tomados de la historia contemporánea a Shakespeare. Se trata del momento de guerras civiles en Francia entre hugonotes (protestantes calvinistas, apoyados por la Inglaterra de Isabel I) y católicos (apoyados por la España de Felipe II y por el Papa).
Algunos autores consideran esta obra como la primera de las escritas por Shakespeare, aunque existen serias dudas al respecto. Fue publicada por primera vez en 1598. El tema de fondo es el estudio y la educación: y si educa más el estudio o la experiencia.
Para el lector en español, la primera curiosidad es que se desarrolla en la corte del rey de Navarra, nombre tanto de una actual Comunidad Autónoma del Reino de España como del lugar de la acción, hoy perteneciente a la República de Francia.
El argumento gira en torno a unos hechos y personajes tomados de la historia contemporánea a Shakespeare. Se trata del momento de guerras civiles en Francia entre hugonotes (protestantes calvinistas, apoyados por la Inglaterra de Isabel I) y católicos (apoyados por la España de Felipe II y por el Papa).
TITO ANDRONICO
Tito Andrónico (Titus Andronicus), tragedia escrita por William Shakespeare en 1593 y representada por vez primera en el teatro londinense de La Rosa en enero de 1594. Esta tragedia es comparable en horror a las Euménides de Esquilo. Por el carácter de sus situaciones podría considerársela una precursora del subgénero gore en el cine.
Hay distintas opiniones sobre la autoría y fecha del texto. Algunos autores han apuntado la posibilidad de que Shakespeare sólo retocara la obra y dentro de los que sí la creen obra suya hay quienes la consideran su primera tragedia.
Tamora jura vengarse de Tito cuando este ordena sacrificar a uno de los hijos de la reina goda en nombre de Roma. Ayudada por su nueva dignidad imperial, por sus hijos y por su siervo Aarón, consigue hacer caer en desgracia a Tito y su prole, jurando éste vengarse de la malvada Tamora
Hay distintas opiniones sobre la autoría y fecha del texto. Algunos autores han apuntado la posibilidad de que Shakespeare sólo retocara la obra y dentro de los que sí la creen obra suya hay quienes la consideran su primera tragedia.
Tamora jura vengarse de Tito cuando este ordena sacrificar a uno de los hijos de la reina goda en nombre de Roma. Ayudada por su nueva dignidad imperial, por sus hijos y por su siervo Aarón, consigue hacer caer en desgracia a Tito y su prole, jurando éste vengarse de la malvada Tamora
TIMÓN DE ATENAS Una rara avis en el teatro de Shakespeare es una pieza inclasificable, desconcertante, tal vez en estado de borrador.
Timón de Atenas (1606) fue una obra que Shakespeare nunca pudo verla en escena, pues fue considerada por los censores como una obra políticamente incorrecta. Es una parodia sobre los llamados misántropos, esos seres que terminan odiando a la toda humanidad y que, seguramente se pusieron de moda en el Renacimiento, pues tanto el Shakespeare en Inglaterra, como Molière en Francia, escribieron en el siglo XVII estas obras que tratan sobre esa actitud ante la vida y que más bien parace ser una enfermedad mental.
Timón de Atenas (1606) fue una obra que Shakespeare nunca pudo verla en escena, pues fue considerada por los censores como una obra políticamente incorrecta. Es una parodia sobre los llamados misántropos, esos seres que terminan odiando a la toda humanidad y que, seguramente se pusieron de moda en el Renacimiento, pues tanto el Shakespeare en Inglaterra, como Molière en Francia, escribieron en el siglo XVII estas obras que tratan sobre esa actitud ante la vida y que más bien parace ser una enfermedad mental.
SUEÑO DE UNA NOCHE DE SAN JUAN
El mundo cómico de Shakespeare empieza a incorporarse a nuestra serie con sus dos piezas, quizá, más caracterizadas, en sentidos muy diversos: Un sueño de la noche de San Juan, deslumbrante fantasía en que se alternan planos de magia y planos de realidad, y Las alegres casadas de Windsor, donde Falstaff, el caballero juerguista y bebedor, corruptor de un príncipe, en Enrique IV, llena con su gran humanidad esta farsa donde queda en ridículo como víctima de unas maligrañas señoras.
ROMEO Y JULIETA
En esta obra, una de las más conocidas de William Shakespeare, van a estar presente dos argumentos que se entrecruzan desde el principio: por un lado, la disputa de las dos familias, provocadas por un odio ancestral de carácter económico, y por otro, las relaciones amorosas de los dos protagonistas.
Las familias enfrentadas son los Montesco y los Capuleto, anclados en la tradición, en lo viejo, y en lo que lo más importante va a ser la defensa de los intereses de clase, y el principio de libertad, expresado en el amor ?prohibido? y clandestino entre Romeo y Julieta, símbolo, al mismo tiempo, del profundo deseo de los jóvenes por cambiar y transformar la sociedad: en el empeño de echar por tierra lo viejo y que haya un resurgir de lo nuevo, nuestros protagonistas pasarán mucho sufrimiento, e incluso, la muerte hará acto de presencia.
Y es que en la obra de Shakespeare lo viejo y lo nuevo, la violencia y la paz, serán la tónica común, con el fin de hacernos reflexionar sobre la condición humana. Es una obra de intensa emoción lírica, en la que va a reinar el pesimismo a través de unos personajes que van a ser los representantes de los más sublimes y universales sentimientos humanos, el amor, pero en la que va a tener cabida la intransigencia y el odio irracional, que acabarán frustrando la felicidad de los jóvenes enamorados.
Una obra indicada, sobre todo, para aquellos que gusten de historias sobre amores imposibles y de, para qué engañarnos, de trágicos finales, todo ello rodeado de una ambiente cortesano, de fieles caballeros y de valientes damas: pasión, envidia, rebeldía, violencia... una mezcla explosiva para uno de los títulos imprescindibles en la obra del dramaturgo inglés.
Las familias enfrentadas son los Montesco y los Capuleto, anclados en la tradición, en lo viejo, y en lo que lo más importante va a ser la defensa de los intereses de clase, y el principio de libertad, expresado en el amor ?prohibido? y clandestino entre Romeo y Julieta, símbolo, al mismo tiempo, del profundo deseo de los jóvenes por cambiar y transformar la sociedad: en el empeño de echar por tierra lo viejo y que haya un resurgir de lo nuevo, nuestros protagonistas pasarán mucho sufrimiento, e incluso, la muerte hará acto de presencia.
Y es que en la obra de Shakespeare lo viejo y lo nuevo, la violencia y la paz, serán la tónica común, con el fin de hacernos reflexionar sobre la condición humana. Es una obra de intensa emoción lírica, en la que va a reinar el pesimismo a través de unos personajes que van a ser los representantes de los más sublimes y universales sentimientos humanos, el amor, pero en la que va a tener cabida la intransigencia y el odio irracional, que acabarán frustrando la felicidad de los jóvenes enamorados.
Una obra indicada, sobre todo, para aquellos que gusten de historias sobre amores imposibles y de, para qué engañarnos, de trágicos finales, todo ello rodeado de una ambiente cortesano, de fieles caballeros y de valientes damas: pasión, envidia, rebeldía, violencia... una mezcla explosiva para uno de los títulos imprescindibles en la obra del dramaturgo inglés.
Los Sonetos de Shakespeare (The Sonnets) son un conjunto de 154 poemas bajo la forma estrófica del soneto ingles en los que se tratan temas tales como el amor, la belleza, la politica y la mortalidad.
Fueron escritos, probablemente, a lo largo de varios años, para ser al fin publicados, excepto los dos primeros, en una colección de 1609; los número 138 ("When my love swears that she is made of truth") y 144 ("Two loves have I, of comfort and despair") habían sido previamente publicados en una miscelánea de 1599 titulada the passionate pilgrim
OTELO
Dentro de la amplia galería de personajes que a lo largo de las obras de William Shakespeare (1564-1616) encarnaron las más universales y comunes pasiones que mueven la naturaleza humana, Otelo ha pasado a representar el hombre destruido por los celos. Sin embargo, a pesar de que, popularmente, permanezca este rasgo en la memoria colectiva como el más famoso de la obra, éste es tan sólo el pico visible del tema crucial y más general ?como señala en su iluminador prólogo Vicente Molina Foix? de la misma: la desconfianza. Movida por este veneno que se esparce por sus diálogos e impregna las relaciones entre parejas, entre hombres y mujeres, entre jefes y subordinados.
NOCHE DE REYES
También conocida como “Noche de Epifanía, o Lo que queráis” y “La duodécima noche”. Mantiene un tono general de comedia bufa, repleta de personajes extravagantes.
El título hace referencia a la velada número 12 desde la Nochebuena, es decir el 5 de enero, víspera del día de Reyes. Según la tradición, esta obra festiva se escribió para ser representada en esa celebración. Aunque los acontecimientos de la obra no transcurren en esa noche, lo cierto es que, como apunta José Ángel García Landa, durante esos doce días “se hacen cosas extrañas: se reúne la familia, se regalan cosas, se deja de trabajar, se trata la gente en pie de igualdad, se aparcan las diferencias irreconciliables por un tiempo, se desdibujan los papeles atribuidos a los sexos…”, elementos que se reconocen en la trama.
De la trilogía conformada por esta obra y sus predecesoras, Mucho ruido y pocas nueces y Como gustéis, se trata de la más insulsa. A tenor de la crítica, la gran creación humana de la obra es Viola, prototipo del personaje femenino que se hace pasar por hombre, que da pie a desarrollar equívocos sexuales encadenados: es deseada por una mujer mientras que desea a un hombre, el cual desea a la mujer. Si a esto unimos la homosexualidad insinuada en el personaje de Antonio, obtenemos un curioso cóctel, que más parece un puzle. Todo ello sin contar que los personajes femeninos eran interpretados por varones en la época isabelina.
El título hace referencia a la velada número 12 desde la Nochebuena, es decir el 5 de enero, víspera del día de Reyes. Según la tradición, esta obra festiva se escribió para ser representada en esa celebración. Aunque los acontecimientos de la obra no transcurren en esa noche, lo cierto es que, como apunta José Ángel García Landa, durante esos doce días “se hacen cosas extrañas: se reúne la familia, se regalan cosas, se deja de trabajar, se trata la gente en pie de igualdad, se aparcan las diferencias irreconciliables por un tiempo, se desdibujan los papeles atribuidos a los sexos…”, elementos que se reconocen en la trama.
De la trilogía conformada por esta obra y sus predecesoras, Mucho ruido y pocas nueces y Como gustéis, se trata de la más insulsa. A tenor de la crítica, la gran creación humana de la obra es Viola, prototipo del personaje femenino que se hace pasar por hombre, que da pie a desarrollar equívocos sexuales encadenados: es deseada por una mujer mientras que desea a un hombre, el cual desea a la mujer. Si a esto unimos la homosexualidad insinuada en el personaje de Antonio, obtenemos un curioso cóctel, que más parece un puzle. Todo ello sin contar que los personajes femeninos eran interpretados por varones en la época isabelina.
MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES
LA MEDIDA POR MEDIDA
MACBETH
LA TRAGEDIA DE RICARDO II
LA TEMPESTAD
Mucho ruido y pocas nueces es una las comedias de Shakespeare más interpretadas, pero raras veces estudiada. Escrita y puesta en escena en 1598 su primera edición impresa se realizó en 1600. Sus fuentes principales son el Libro V de Orlando Furioso de Ariosto y una novela de Bandello.
Nos encontramos en la corte del gobernador de Messina —Leonato— quien es el padre de Hero y tío de Beatriz. El príncipe de Aragón viene para visitar Leonato, con su problemático hermano Don Juan y su amigo Claudio.
El argumento principal es la historia del noviazgo de Claudio con Hero que es arruinado por la intervención de Don Juan y uno de sus seguidores. La situación se complica bastante por la muerte aparente de Hero. Mientras tanto, en la trama secundaria que es más famosa, vemos que Beatriz y Benedicto comienzan a enamorarse a pesar de su duelo de ingenio perpetuo donde ellos mutuamente se juran odio. Los dos argumentos se entrelazan con el duelo entre Benedicto y Claudio. Además hay dos policías cómicos locales, Dogberry y Verges, y vemos cuando ellos llegan para exponer el plan de Don Juan y Borachio. Con la revelación de una señora misteriosa viene la reconciliación inevitable y el baile animado.
La obra es más conocida y apreciada por su cómico juego de palabras, desenmascaramientos y personajes menores que por el extenso y poco recordable argumento principal.
Nos encontramos en la corte del gobernador de Messina —Leonato— quien es el padre de Hero y tío de Beatriz. El príncipe de Aragón viene para visitar Leonato, con su problemático hermano Don Juan y su amigo Claudio.
El argumento principal es la historia del noviazgo de Claudio con Hero que es arruinado por la intervención de Don Juan y uno de sus seguidores. La situación se complica bastante por la muerte aparente de Hero. Mientras tanto, en la trama secundaria que es más famosa, vemos que Beatriz y Benedicto comienzan a enamorarse a pesar de su duelo de ingenio perpetuo donde ellos mutuamente se juran odio. Los dos argumentos se entrelazan con el duelo entre Benedicto y Claudio. Además hay dos policías cómicos locales, Dogberry y Verges, y vemos cuando ellos llegan para exponer el plan de Don Juan y Borachio. Con la revelación de una señora misteriosa viene la reconciliación inevitable y el baile animado.
La obra es más conocida y apreciada por su cómico juego de palabras, desenmascaramientos y personajes menores que por el extenso y poco recordable argumento principal.
LA MEDIDA POR MEDIDA
El duque de Viena, hace saber que pretende dejar la ciudad en misión diplomática dejando el gobierno en manos de un juez estricto, Angelo. Bajo el gobierno del duque, las leyes de la ciudad contra la fornicación eran laxas, pero Angelo es conocido por ser muy duro respecto a esos temas.
Claudio, un joven noble, está prometido a Juliet, pero habiendo pospuesto la boda la deja embarazada antes de esta. Por ello es castigado por Angelo y aunque está dispuesto a casarse la sentencia es la muerte, así que su amigo Lucio visita a Isabella, la hermana de Claudio, una novicia para que interceda con Angelo y así evitar la muerte de Claudio.
Claudio, un joven noble, está prometido a Juliet, pero habiendo pospuesto la boda la deja embarazada antes de esta. Por ello es castigado por Angelo y aunque está dispuesto a casarse la sentencia es la muerte, así que su amigo Lucio visita a Isabella, la hermana de Claudio, una novicia para que interceda con Angelo y así evitar la muerte de Claudio.
MACBETH
Estamos ante una de las más famosas e importantes obras shakespereanas. Macbeth es un noble escocés que luego de cubrirse de gloria ante el noruego invasor recibe los parabienes del rey Duncan. Pero Macbeth se debatirá entre el destino mágico y una situación lingüística ironizante, proveniente del mismo augurio brujeril. A Macbeth, pues, se le aparecen tres brujas que profetizan que reinará en Escocia, aunque no su estirpe, mientras que a Banquo Estuardo, otro noble, lo saludan como la simiente de los reyes escoceses.
Macbeth se muestra vacilante ante el sombrío dictado de tal profecía, pero es su esposa, Lady Macbeth -en un alarde de malévolo practicismo femenino que, al menos en esta obra del legado shakespereano, contiene una visión negativa de la mujer-, quien lo induce al seguimiento de un destino que podría calificarse de ocultista, y que, además, aprovechando la estancia del rey en la casa Macbeth, le azuza el asesinato del bondadoso monarca, requerimiento que se hará efectivo no sin pasar por las malignas referencias a la disposición viril de un esposo tan ambicioso como tímido.
Macbeth se muestra vacilante ante el sombrío dictado de tal profecía, pero es su esposa, Lady Macbeth -en un alarde de malévolo practicismo femenino que, al menos en esta obra del legado shakespereano, contiene una visión negativa de la mujer-, quien lo induce al seguimiento de un destino que podría calificarse de ocultista, y que, además, aprovechando la estancia del rey en la casa Macbeth, le azuza el asesinato del bondadoso monarca, requerimiento que se hará efectivo no sin pasar por las malignas referencias a la disposición viril de un esposo tan ambicioso como tímido.
LOS DOS HIDALGOS DE VERONA
Los dos hidalgos del título son Valentino y Proteus dos buenos amigos. Valentino sale de Verona para visitar Milán para madurar. Deja a su mejor amigo, Proteus, pero no sin reprender a su amigo por haberse aplicado más en los asuntos del amor que en los de la mente. Por casualidad, el padre de Proteus se pone de acuerdo con Valentino y pronto lo manda a Proteus a Milán. Después de una despedida tierna con su amada, Julia, Proteus encuentra a un Valentino enamorado con Silvia, la hija del duque de Milán. Desafortunadamente, Proteus también se enamora de Silvia y hace todo lo posible para poder casarse con ella. Mientras que Proteus está en Milán, Julia se propone encontrarse con su amorado y viaja a Milán disfrazada de muchacho. Ahí ella descubre la traición de Proteus y ella se hace pasar por su paje hasta que piensa en algo que hacer.
La obra concluye con una confrontación intensa en el bosque, donde Proteus intenta violar y raptar a Silvia. Valentino la salva, pero después la cede a Proteus para preservar su amistad. Julia se desmaya, revelando su identidad. Proteus se acuerda de su amor hacia Julia y vuelve con ella.
En el trama cómico, Launce encuentra el amor, pero se queja al público de los atributos de su amada, cuyos defectos `son más que sus pelos.`
La obra concluye con una confrontación intensa en el bosque, donde Proteus intenta violar y raptar a Silvia. Valentino la salva, pero después la cede a Proteus para preservar su amistad. Julia se desmaya, revelando su identidad. Proteus se acuerda de su amor hacia Julia y vuelve con ella.
En el trama cómico, Launce encuentra el amor, pero se queja al público de los atributos de su amada, cuyos defectos `son más que sus pelos.`
LAS ALEGRES COMADRES DE WINDSOR
Las alegres comadres de Windsor, según cuenta la tradición, fue un encargo personalmente hecho a Shakespeare por la reina Isabel I de Inglaterra, deseosa Su Graciosa Majestad de ver a Sir John Falstaff, el jocundo, excesivo y vital protagonista de Enrique IV, en un lance amoroso. Otras fuentes consignan una solemne festividad de la Orden de la jarretera –aludida en el texto- como ocasión para la escritura y representación de la comedia.
En cualquiera de los casos, , fue una comedia hecha a medida de una audiencia deseosa de ver temas contemporáneos y reír con ellos, en particular las pequeñas vidas de los burgueses y nobles menores de la ciudad de Windsor. Que estas peripecias en parte evocasen a Shakespeare historias, familias y damas de su Stratford-upon-Avon natal, no hace sino añadir al vigoroso e insólito realismo, a la humanidad en suma, de esta, su única “citizen comedy”, y su única obra íntegramente en prosa. A ese espíritu trata de servir, con la mayor fidelidad, nuestro cometido escénico
En cualquiera de los casos, , fue una comedia hecha a medida de una audiencia deseosa de ver temas contemporáneos y reír con ellos, en particular las pequeñas vidas de los burgueses y nobles menores de la ciudad de Windsor. Que estas peripecias en parte evocasen a Shakespeare historias, familias y damas de su Stratford-upon-Avon natal, no hace sino añadir al vigoroso e insólito realismo, a la humanidad en suma, de esta, su única “citizen comedy”, y su única obra íntegramente en prosa. A ese espíritu trata de servir, con la mayor fidelidad, nuestro cometido escénico
LA VIOLACION DE LUCRECIA
Este poema de William Shakespeare fue publicado en 1594 y dedicado a Henry Wriothesley, conde de Southampton. El poema relata un motivo de larga tradición: violada por Sexto Tarquino, Lucrecia pide a su padre y a su marido Colatino que la venguen, y se suicida. El poema, en estrofas de siete versos, termina en el momento en que Bruto y Colatino se disponen a transportar a través de Roma el cadáver de la Lucrecia, para incitar a los romanos a expulsar a Tarquino. Mientras en Venus y Adonis un casto joven era seducido por una experta, aquí una casta esposa era violada por un libertino.
LA TRAGEDIA DE RICARDO IIAunque el orden de la escritura de Shakespeare es bien distinto, si seguimos cronológicamente la Historia de Inglaterra, esta obra de teatro se coloca entre Eduardo III y Enrique IV.
Ricardo II fue el último rey de la dinastía de los Plantagenet, a la que sucedió la de Lancaster (iniciando el período de las Guerras de las Dos Rosas, entre ésta y la de York). Su predecesor fue su abuelo, Eduardo III y su sucesor, Enrique IV, que era también nieto de Eduardo y primo hermano de Ricardo. Gobernó como monarca absoluto, sin conceder poderes a la nobleza. Ésta fue la aliada de su sucesor para derrocarle.
El argumento comienza cuando Ricardo recibe en audiencia, traídos por su tío Juan de Gante, a Enrique (hijo de Juan y llamado Bolingbroke en la obra) y a Tomás Mowbray. Enrique, primo de Ricardo, acusa a Mowbray de conspirar contra el rey. Mowbray lo niega, y pese a los intentos de pacificación de Ricardo, se convoca un duelo,…
Es una obra repleta de reflexiones interesantes en largos monólogos, pero sin un respiro para el humor o la distensión. La peripecia vital del protagonista ha llevado a considerar la pieza como “la tragedia del conocimiento adquirido a través de la experiencia”. También se atribuye a la pugna entre Ricardo y Enrique una metáfora del cambio de la mentalidad medieval sobre el poder a la más utilitaria renacentista (Maquiavelo).
Ricardo II fue el último rey de la dinastía de los Plantagenet, a la que sucedió la de Lancaster (iniciando el período de las Guerras de las Dos Rosas, entre ésta y la de York). Su predecesor fue su abuelo, Eduardo III y su sucesor, Enrique IV, que era también nieto de Eduardo y primo hermano de Ricardo. Gobernó como monarca absoluto, sin conceder poderes a la nobleza. Ésta fue la aliada de su sucesor para derrocarle.
El argumento comienza cuando Ricardo recibe en audiencia, traídos por su tío Juan de Gante, a Enrique (hijo de Juan y llamado Bolingbroke en la obra) y a Tomás Mowbray. Enrique, primo de Ricardo, acusa a Mowbray de conspirar contra el rey. Mowbray lo niega, y pese a los intentos de pacificación de Ricardo, se convoca un duelo,…
Es una obra repleta de reflexiones interesantes en largos monólogos, pero sin un respiro para el humor o la distensión. La peripecia vital del protagonista ha llevado a considerar la pieza como “la tragedia del conocimiento adquirido a través de la experiencia”. También se atribuye a la pugna entre Ricardo y Enrique una metáfora del cambio de la mentalidad medieval sobre el poder a la más utilitaria renacentista (Maquiavelo).
LA TRAGEDIA DE RICARDO III
Ricardo III, definida como «comedia negra», recrea con crudeza el tema universal del poder entendido como forma de ejercer la tiranía o de la tiranía como forma de ejercer el poder. El Estado aparece en ella como una maquinaria infernal de intrigas, odios y camarillas. El sanguinario y despiadado Ricardo («ese loco que deshace la obra de Dios y que reina en la mirada de las almas dolientes`») es más hábil que el resto para mover la maquinaria, pero los demás están igualmente implicados en ella. En esta ocasión, Valdemar ofrece una traducción en verso rítmico, un texto apto para la escena (o para ser leído en voz alta), dado que se ha intentado conservar el ritmo shakespeariano con el fin de preservar la cadencia dramática, esencial en la obra de Shakespeare.
LA TEMPESTADEscrito en 1611 y estrenado el mismo año, este drama en cinco actos, en verso y prosa, de William Shakespeare se publicó en el in-folio de 1623, donde precede a todas las demás piezas. En “La tempestad” Shakespeare utiliza lo sobrenatural, recurriendo al mundo maravilloso de los elfos y de las hadas, fundiendo admirablemente sus acciones con aventuras humanas, con lo que éstas ganan en donosura y profundidad.La fuente de esta obra debe buscarse en la commedia dell’arte italiana, algunas intrigas análogas a la suya han sido descritas por diversos estudiosos. Con estos elementos italianos Shakespeare combinó detalles del naufragio en las Bermudas de sir George Somers en 1609.
Próspero, duque legítimo de Milán ha sido expulsado de su posición por su hermano y se encuentra en una isla desierta tras naufragar su buque. La obra comienza con una fuerte tormenta provocada por sus artes mágicas cuando adivina que su hermano, Antonio, viaja en un buque cerca de la isla en la que se encuentra. En ella, Próspero cuenta con la compañía de su hija Miranda y descansa con sus numerosos libros dedicándose al estudio y el conocimiento de las Artes Clásicas. Próspero entra en contacto con seres invisibles como Ariel, intermediarios entre los dioses y los hombres. Con su ayuda, desde el caos y la locura, Próspero tejerá un encantamiento que le permitirá iniciar su venganza.
Al final Próspero renunciará a su magia perdonando a sus enemigos y permitiendo el matrimonio entre su hija, Miranda, y Ferdinando.
Próspero, duque legítimo de Milán ha sido expulsado de su posición por su hermano y se encuentra en una isla desierta tras naufragar su buque. La obra comienza con una fuerte tormenta provocada por sus artes mágicas cuando adivina que su hermano, Antonio, viaja en un buque cerca de la isla en la que se encuentra. En ella, Próspero cuenta con la compañía de su hija Miranda y descansa con sus numerosos libros dedicándose al estudio y el conocimiento de las Artes Clásicas. Próspero entra en contacto con seres invisibles como Ariel, intermediarios entre los dioses y los hombres. Con su ayuda, desde el caos y la locura, Próspero tejerá un encantamiento que le permitirá iniciar su venganza.
Al final Próspero renunciará a su magia perdonando a sus enemigos y permitiendo el matrimonio entre su hija, Miranda, y Ferdinando.
LA FIERECILLA DOMADA
JULIO CESAR
La fierecilla domada, concebida formalmente como un divertimento, es mucho más que la historia de las relaciones de poder en el matrimonio de Petrucho y Catalina. Esa dialéctica contiene una carga subyacente de intenso erotismo, se apunta una trama secundaria de ecos románticos, plena de cambios de personalidad y de disfraces, en los que resuenan las voces de Ariosto, Plauto o Terencio.
JULIO CESARLas ambiciones de Julio César provocan una conjura entre los defensores de la libertad romana, sobre todo Casio y Casca, quienes persuaden a Bruto. Bruto odia las ambiciones de César, pero no a César mismo, por lo que toda su actuación va acompañada de la repugnancia por el acto que va a efectuar. Bruto se defiende de la insistencia de su mujer Porcia, que quiere enterarse de su secreto, mientras la mujer de César, Calpurnia, advertida por un sueño, suplica a César que no vaya al Capitolio en los Idus de marzo. Pero uno de los conjurados, Decio, lo convence.
HAMLET
Cuando Goethe dijo: `Ningún libro, ninguna persona ni ningún hecho de mi vida han producido un efecto tan grande en mí como los dramas de Shakespeare`, señaló la magnitud excepcional del escritor inglés, primer poeta dramático del mundo, nacido en Stratford-on-Avon (1564-1616).
Hamlet y Romeo y Julieta, dos de las grandes creaciones del autor, hacen de Shakespeare vocero excepcional de la especie, por su entendimiento integral de las criaturas humanas y por la excelsitud poética con que las mismas desarrollan sus trágicas o gozosas existencias.
Hamlet, su más famosa tragedia, no nos vincula a seres de carne y hueso solamente, sino con personajes ejemplares por el vigor de su clase y por la significación colosal de su admirable contextura.
La personalidad de Hamlet brota de la horrible situación en que Shakespeare presenta al joven príncipe: su admirado padre murió recientemente, su adorada madre no esperó un mes para contraer matrimonio con el hermano del difunto. Al poco tiempo se le aparece el fantasma del padre, le revela que Claudio, su tío, en complicidad con su madre, le mató vertiéndole un veneno en el oído, le ordena no vengarse de su madre y pide un castigo para su asesino.
Hamlet se llega a ver no sólo como una tragedia sicológica, sino como un profundo drama de connotaciones religiosas que explora los misterios de la existencia humana.
Hamlet y Romeo y Julieta, dos de las grandes creaciones del autor, hacen de Shakespeare vocero excepcional de la especie, por su entendimiento integral de las criaturas humanas y por la excelsitud poética con que las mismas desarrollan sus trágicas o gozosas existencias.
Hamlet, su más famosa tragedia, no nos vincula a seres de carne y hueso solamente, sino con personajes ejemplares por el vigor de su clase y por la significación colosal de su admirable contextura.
La personalidad de Hamlet brota de la horrible situación en que Shakespeare presenta al joven príncipe: su admirado padre murió recientemente, su adorada madre no esperó un mes para contraer matrimonio con el hermano del difunto. Al poco tiempo se le aparece el fantasma del padre, le revela que Claudio, su tío, en complicidad con su madre, le mató vertiéndole un veneno en el oído, le ordena no vengarse de su madre y pide un castigo para su asesino.
Hamlet se llega a ver no sólo como una tragedia sicológica, sino como un profundo drama de connotaciones religiosas que explora los misterios de la existencia humana.
ENRIQUE IV
Los dramas históricos de Shakespeare, especialmente los que se refieren a los anales de Inglaterra, tienen forzosamente un número más reducido de lectores, por la preparación indispensable que exigen, que sus tragedias de mera fantasía o las comedias de imaginación. La crítica, sin embargo, los coloca, por lo menos, a igual altura que las concepciones más generalmente celebradas del poeta. El encadenamiento cronológico de esos dramas que empiezan con el Rey Juan y acaban con Enrique VIII, parece darles, a primera vista, cierto carácter de crónica rimada, a la manera de los viejos cronistas feudales.
Enrique IV se trata de una de las obras históricas que tiene como tema central la historia de Inglaterra, en este caso centrada en la figura de este rey y de su hijo el príncipe, el futuro Enrique V, y los problemas internos que surgieron por su acceso al trono. Como es habitual podemos apreciar otra serie de temas como son la fidelidad, las apariencias, el honor en la batalla, etc. junto a temas más frívolos como la juventud o las amistades poco recomendables que aligeran la tragedía y crean grandes momentos de humor.
Si al escribir Ricardo II, Shakespeare fue más allá de los avatares del juego político e indagó en la condición humana del rey y en el comportamiento de los hombres, en Enrique IV no sólo avanzó más aún por esta senda, sino que incorporó por primera vez un decisivo ingrediente de comedia al drama histórico. En pocas ocasiones planteó Shakespeare tan claramente la relación entre diversión y obligación, humanidad y autoridad, logrando una abundancia de contrastes y una riqueza de emociones que ya no volverían a aparecer en este género. La incorporación de este mundo cómico con escenas de taberna y vida popular se centra en la figura de Falstaff, una de las creaciones más extraordinarias del autor y uno de esos personajes de la literatura universal que se salen de la página.
Enrique IV se trata de una de las obras históricas que tiene como tema central la historia de Inglaterra, en este caso centrada en la figura de este rey y de su hijo el príncipe, el futuro Enrique V, y los problemas internos que surgieron por su acceso al trono. Como es habitual podemos apreciar otra serie de temas como son la fidelidad, las apariencias, el honor en la batalla, etc. junto a temas más frívolos como la juventud o las amistades poco recomendables que aligeran la tragedía y crean grandes momentos de humor.
Si al escribir Ricardo II, Shakespeare fue más allá de los avatares del juego político e indagó en la condición humana del rey y en el comportamiento de los hombres, en Enrique IV no sólo avanzó más aún por esta senda, sino que incorporó por primera vez un decisivo ingrediente de comedia al drama histórico. En pocas ocasiones planteó Shakespeare tan claramente la relación entre diversión y obligación, humanidad y autoridad, logrando una abundancia de contrastes y una riqueza de emociones que ya no volverían a aparecer en este género. La incorporación de este mundo cómico con escenas de taberna y vida popular se centra en la figura de Falstaff, una de las creaciones más extraordinarias del autor y uno de esos personajes de la literatura universal que se salen de la página.
EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO
Durante los preparativos de la boda de Teseo con Hipólita, dos parejas de amantes se pierden en el bosque del amor no correspondido: Hermia ama a Lisandro, pero está comprometida con Demetrio, el que a su vez es amado por Elena.
Egeo, padre de Hermia, se presenta ante Teseo, duque de la ciudad, para que éste obligue a su hija a cumplir su compromiso o la entregue a la muerte.
Entonces, Lisandro y Hermia deciden huir. Tras Hermia, Demetrio, tras éste, Elena. Todos se pierden en el bosque donde habitan Titania y Oberón, reyes de las Hadas, los cuales desde hace mucho tiempo están disgustados por un capricho. Oberón decide vengarse hechizando a Titania con el jugo de la flor del amor, que vertido sobre los párpados durmientes, basta para que una persona ame con locura a la primera criatura que vea.
Al mismo tiempo, se encuentran en el bosque un grupo de actores que ensayan un drama para representar el día de la boda del duque. Robín, duende ayudante del rey Oberón, transforma a uno de ellos en burro, quien al ver que el resto de su compañía huye, decide pedir ayuda. Con sus gritos despierta a la reina Titania, que víctima del encantamiento, se enamora inmediatamente de él. Oberón decide ayudar a las parejas de amantes con el mismo filtro de amor, pero ante las sucesivas equivocaciones de Robín, pone fin a todos los hechizos, conservando sin embargo el de Demetrio, que se enamora finalmente de Elena.
Ante el nuevo orden establecido, los enamorados son disculpados ante la Ley y las parejas se casan junto a Teseo e Hipólita con la bendición de Titania y Oberón, quien ha recobrado el amor de su reina y ha hecho que todo lo que ellos recuerden sea sólo un sueño de una noche de verano.
Egeo, padre de Hermia, se presenta ante Teseo, duque de la ciudad, para que éste obligue a su hija a cumplir su compromiso o la entregue a la muerte.
Entonces, Lisandro y Hermia deciden huir. Tras Hermia, Demetrio, tras éste, Elena. Todos se pierden en el bosque donde habitan Titania y Oberón, reyes de las Hadas, los cuales desde hace mucho tiempo están disgustados por un capricho. Oberón decide vengarse hechizando a Titania con el jugo de la flor del amor, que vertido sobre los párpados durmientes, basta para que una persona ame con locura a la primera criatura que vea.
Al mismo tiempo, se encuentran en el bosque un grupo de actores que ensayan un drama para representar el día de la boda del duque. Robín, duende ayudante del rey Oberón, transforma a uno de ellos en burro, quien al ver que el resto de su compañía huye, decide pedir ayuda. Con sus gritos despierta a la reina Titania, que víctima del encantamiento, se enamora inmediatamente de él. Oberón decide ayudar a las parejas de amantes con el mismo filtro de amor, pero ante las sucesivas equivocaciones de Robín, pone fin a todos los hechizos, conservando sin embargo el de Demetrio, que se enamora finalmente de Elena.
Ante el nuevo orden establecido, los enamorados son disculpados ante la Ley y las parejas se casan junto a Teseo e Hipólita con la bendición de Titania y Oberón, quien ha recobrado el amor de su reina y ha hecho que todo lo que ellos recuerden sea sólo un sueño de una noche de verano.
EL REY LEAR
El Rey Lear, ya muy viejo, decide dejar la dirección de su reino en sus tres hijas, para así poder vivir tranquilo sus últimos días. Pero pronto se sentirá amenazado por ellas viéndose absolutamente abandonado. Sólo algunos fieles al rey intentarán devolver el reino a su antiguo propietario.
Describe las consecuencias de la irresponsabilidad y los errores de juicio de Lear, dominador de la antigua Bretaña, y de su consejero, el duque de Gloucester. El trágico final llega como resultado de entregar el poder al hijo malvado y no al bondadoso. Como contrapunto, la hija, Cordelia, pone de manifiesto un amor capaz de redimir el mal por el bien, pero ella muere en un final sobrecogedor. La idea de que el mal se destruye a sí mismo, sin embargo, se ve reforzada por el funesto destino de las hermanas de Cordelia y del oportunista hijo bastardo del conde de Gloucester.
El rey Lear (The King Lear) es una de las principales tragedias de William Shakespeare, fue escrita en su segundo periodo, comenzada en 1605 y representada a finales de 1606. Su fuente principal es la Historia Regum Britanniae escrita hacia 1135 por Godofredo de Monmouth y de raíz netamente céltica.Entre las grandes tragedias de Shakespeare, El rey Lear aparece, en palabras de Shelley, como `el ejemplo más perfecto de arte dramático`. Escrita hacia 1605, en plena madurez creativa del autor, esta obra constituye una intensa y cruel expresión de la presencia del mal en el mundo, una manifestación cercana al absurdo del desorden y la violencia que impregnan la realidad.
Describe las consecuencias de la irresponsabilidad y los errores de juicio de Lear, dominador de la antigua Bretaña, y de su consejero, el duque de Gloucester. El trágico final llega como resultado de entregar el poder al hijo malvado y no al bondadoso. Como contrapunto, la hija, Cordelia, pone de manifiesto un amor capaz de redimir el mal por el bien, pero ella muere en un final sobrecogedor. La idea de que el mal se destruye a sí mismo, sin embargo, se ve reforzada por el funesto destino de las hermanas de Cordelia y del oportunista hijo bastardo del conde de Gloucester.
El rey Lear (The King Lear) es una de las principales tragedias de William Shakespeare, fue escrita en su segundo periodo, comenzada en 1605 y representada a finales de 1606. Su fuente principal es la Historia Regum Britanniae escrita hacia 1135 por Godofredo de Monmouth y de raíz netamente céltica.Entre las grandes tragedias de Shakespeare, El rey Lear aparece, en palabras de Shelley, como `el ejemplo más perfecto de arte dramático`. Escrita hacia 1605, en plena madurez creativa del autor, esta obra constituye una intensa y cruel expresión de la presencia del mal en el mundo, una manifestación cercana al absurdo del desorden y la violencia que impregnan la realidad.
EL PEREGRINO APASIONADO
EL MERCADER DE VENECIA
El peregrino apasionado se publica por primera vez en 1599 por William Jaggard, y en todo lo posteriormente consultado existe la coincidencia de que es un libro pirata, que ocasionó bastantes críticas sobre la autenticidad de los versos atribuidos a W. S. Solamente en 1609 apareció una misteriosa edición completa, seguramente sin el permiso de su autor, por parte de un tal T. T. (Thomas Thorpe, un editor amigo de escritores y escritor él mismo). La dedicatoria es a un tal señor W. H.
EL MERCADER DE VENECIASin duda una de las más famosas y mejores obras del dramaturgo inglés, El mercader de Venecia se estructura en torno a la anécdota del fracaso de un aval y la sanguinaria reclamación del usurero Shylock, y la relación amorosa entre el noble Bassanio y Porcia, rica y hermosa huérfana. Pese a los tics antisemitas, tributo al espíritu de la época, en que incurre William Shakespeare (1564-1616) a lo largo de la pieza y su malevolencia en el episodio más memorable de la misma, el judío Shylock se revela como uno de los grandes tipos shakespearianos y el personaje de más fuste y vigor de la obra.
CUENTO DE INVIERNO
COMO GUSTÉIS
El Cuento de Invierno es la penúltima obra de Shakespeare, y es, por su temática, prácticamente inclasificable en ningún género concreto, y por su contenido, una obra de espectáculo total, en el que tragedia, comedia pastoril, música y baile se entremezclan magistralmente. En palabras de Northrop Frye “el significado de la obra es la obra, y nada puede abstraerse de la experiencia total de la obra”
El cuento de invierno toma su argumento de una novela isabelina, Pandosto, el triunfo del tiempo, de Robert Greene. Shakespeare voltea considerablemente el argumento, trastoca los escenarios, sin importarle las incoherencias geográficas, como la tan criticada y al mismo tiempo tan ingenua que es otorgarle a Bohemia puerto de mar, e introduce dos temas que le son conocidos, el de los celos y el de la soledad del tirano. La primera parte de El cuento de invierno se desarrolla en Sicilia y toma, según pasan las páginas, un cariz de tragedia que presagia un tormentoso final.
El cuento de invierno toma su argumento de una novela isabelina, Pandosto, el triunfo del tiempo, de Robert Greene. Shakespeare voltea considerablemente el argumento, trastoca los escenarios, sin importarle las incoherencias geográficas, como la tan criticada y al mismo tiempo tan ingenua que es otorgarle a Bohemia puerto de mar, e introduce dos temas que le son conocidos, el de los celos y el de la soledad del tirano. La primera parte de El cuento de invierno se desarrolla en Sicilia y toma, según pasan las páginas, un cariz de tragedia que presagia un tormentoso final.
Como gustéis (en inglés, As You Like It) es una obra cómica escrita por el gran dramaturgo británico William Shakespeare, hacia 1599. Fue asimismo incluida en el First Folio (1623), como la octava de dieciocho comedias siguiendo un orden cronológico.
El tema de la herencia es quizás el más recurrente en Como gustéis. La normativa inglesa vigente en ese momento favorecía a la primogenitura, dejando al resto de los hijos pendientes de la decisión del hermano mayor.
En el primer acto encontramos las coordenadas de la acción. La primera escena se abre con la riña entre dos hermanos, Oliver y Orlando, por el legado que su padre, Sir Rowland de Bois, le había confiado a uno de ellos por decreto de mayorazgo. A su vez, Frederick, un noble de menor trascendencia, usurpa el poder a su hermano, el Duque Mayor, obligándole a huir hacia el bosque de Ardén.
El tema de la herencia es quizás el más recurrente en Como gustéis. La normativa inglesa vigente en ese momento favorecía a la primogenitura, dejando al resto de los hijos pendientes de la decisión del hermano mayor.
En el primer acto encontramos las coordenadas de la acción. La primera escena se abre con la riña entre dos hermanos, Oliver y Orlando, por el legado que su padre, Sir Rowland de Bois, le había confiado a uno de ellos por decreto de mayorazgo. A su vez, Frederick, un noble de menor trascendencia, usurpa el poder a su hermano, el Duque Mayor, obligándole a huir hacia el bosque de Ardén.
COMEDIA DE EQUIVOCACIONES
A BUEN FIN NO HAY MAL PRINCIPIO
Egeonte y Emilia tuvieron gemelos el mismo día que un matrimonio pobre tuvo los suyos. Egeonte tomó a éstos últimos gemelos para que cada hijo suyo tuviera su propio criado. En un desafortunado viaje un naufragio los separa, Egeonte con uno de sus hijos y uno de los niños-criado por un lado, Emilia por otro y el resto de la familia terminará en efeso.
Así perdieron el contacto pero por mucho esos contactos fueron desaparesiendo fue como por el arte de la magia es decir que > durante varios años hasta el día en que Antífolo y Dromio de siracusa llegan a Éfeso para ir en busca de su hermano Antifolo y de su madre Emilia; y comienzan a ser confundidos con Antífolo y Dromio de Éfeso tanto por la población de la ciudad como por su mujer y cuñada e incluso entre ellos mismos cuando coinciden un Antífolo de una ciudad con un Dromio de la otra.
Así transcurre toda la obra, entre inverosímiles y extrañas situaciones.
CYMBELINE
Cymbeline`, una de las obras más desconocidas de Shakespeare, es básicamente un cuento de hadas ambientado en el reinado de un caudillo menor de Britania, Cuonobelinus (Cimbelyne en inglés moderno, como siempre, Loreenna McKenitt no pierde oprtunidad de situar sus canciones en un contexto celta) durante los días de ocupación del Imperio Romano. Escrita durante la última etapa de su vida, aproximadamente en el año 1610, no se trata ni de una tragedia como “Hamlet”, ni una comedia como “Sueño de una noche de verano”, sino el primero de sus llamados `Romances`, un grupo de obras tardías que cierran su producción teatral.
BIEN ESTA LO QUE BIEN ACABA
Esta comedia en cinco actos en verso y prosa, traducida también como A buen fin no hay mal principio, fue escrita probablemente hacia 1602-1603. Según otros, que tienen en cuenta las desigualdades del texto, tuvo una primera redacción durante la juventud de Shakespeare, en el período 1590-1594 y, una decena de años después, fue rehecha por el mismo autor con la ayuda de un colaborador. Se publicó en el infolio del 1623.
A diferencia de otras comedias de William Shakespeare, donde los trucos son usados para despertar el amor que yace en los protagonistas (La Fierecilla Domada, Mucho Ruído y Pocas Nueces), aquí es la mujer, Elena, la que trama e intriga (e intercambia favores con otros personajes) para ganar un marido y perder su virginidad.
Con esta obra Shakespeare concibió lo que podría llamarse la `anti-historia de amor`, una donde lo que vale son estratagemas propias de una guerra. Y en la guerra, ya se sabe, nadie gana realmente.
A diferencia de otras comedias de William Shakespeare, donde los trucos son usados para despertar el amor que yace en los protagonistas (La Fierecilla Domada, Mucho Ruído y Pocas Nueces), aquí es la mujer, Elena, la que trama e intriga (e intercambia favores con otros personajes) para ganar un marido y perder su virginidad.
Con esta obra Shakespeare concibió lo que podría llamarse la `anti-historia de amor`, una donde lo que vale son estratagemas propias de una guerra. Y en la guerra, ya se sabe, nadie gana realmente.
MARCO ANTONIO Y CLEOPATRA
La obra, basada en la traducción que Thomas North hizo de la obra de plutarco Vida de Marco Antonio, muestra la relación entre claopatra y marco antonio desde la época de la campaña parta hasta el suicidio de Cleopatra. El principal antagonista de Antonio y Cleopatra es octavio cesar, compañero de triunvirato de Antonio y futuro primer emperador de Roma. La tragedia es una obra romana caracterizada por rápidos cambios panorámicos en localizaciones geográficas y en registros, alternando entre la sensual e imaginativa alejandria y la más pragmática y austera roma.
Muchos consideran que el papel de Cleopatra en esta obra es uno de los más complejos personajes femeninos en la obra de Shakespeare. Es frecuentemente vana e histriónica, haciendo que los lectores casi se burlen, pero al mismo tiempo, Shakespeare se esfuerza por investirla, a ella y a Antonio, con una trágica grandeza. Estos rasgos contradictorios han llevado a división de opiniones dentro de la crítica
A BUEN FIN NO HAY MAL PRINCIPIO
A diferencia de otras comedias de William Shakespeare, donde los trucos son usados para despertar el amor que yace en los protagonistas (La Fierecilla Domada, Mucho Ruído y Pocas Nueces), aquí es la mujer, Elena, la que trama e intriga (e intercambia favores con otros personajes) para ganar un marido y perder su virginidad.
Con esta obra Shakespeare concibió lo que podría llamarse la `anti-historia de amor`, una donde lo que vale son estratagemas propias de una guerra. Y en la guerra, ya se sabe, nadie gana realmente.
Con esta obra Shakespeare concibió lo que podría llamarse la `anti-historia de amor`, una donde lo que vale son estratagemas propias de una guerra. Y en la guerra, ya se sabe, nadie gana realmente.
PENAS POR AMOR PERDIDO (sin portada y sinopsis)
1 comentario:
Muy buena colección! ♥
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